1.) Crees en la enseñanza formal de la fotografia?
Si, como no, creo en el estudio formal de la fotografia, vestido de etiqueta y demás, por ende en la enseñanza formal también y la informal de seguro. Principalmente creo en los autodidactas. Los profesores con los cuales podemos estudiar y los fotógrafos para los cuales podemos trabajar solo pueden ser guias de nuestras propias inquietudes, sean estas técnicas y/o artísticas; la curiosidad nace adentro, cualquier medio es válido para satisfacerla, sea este formal o informal.
2.) Fuiste o has sido asistente de algun fotografo?
Si de algunos cuantos: de Luis Peña cuando yo ni siquiera soñaba en ser fotógrafo; alguna asistencia ocasional a Roberto Mata, Art Durity, Gonzalo Lauda, Cig Harvey y Christopher James, estos dos últimos como docentes.
3.) Qué equipo utilizas?
Utilizo muchos equipos: para mi trabajo comercial utilizo una Canon 5D Mark II esencial para ese area de esparcimiento y solo allí. Nunca utilizo digital para mi trabajo personal; en éste utilizo diferentes cámaras analógicas de distintos formatos y serian las siguientes: una Sinar 8x10 pulgadas de gran formato, una cámara Linhof de gran formato de placas 4x5, una Hasselblad 6x6, una Hasselblad X-Pan, una Nikon F3, una Minox 35mm y un trio de Holgas de plástico. Todas ellas las utilizo principalmente con un lente normal; hago una excepción con la 4x5 con la cual utilizo además del lente normal un 90 mm gran angular sin aberración y perspectiva corregida, por si solo, una joya. Y siempre utilizo un fotómetro manual Sekonic dual para medir luz incidente y reflectiva, y mi trípode indestructible Manfrotto de triple extensión, estos dos son herramientas esenciales para mi oficio, me ayudan a buscar una ilusión de precisión técnica que tanto anhelo tomando fotos.
4.) Qué opinas del reencuadre?
Tu mismo tío! Lo que sea para que la foto funcione. Tenemos múltiples herramientas con las cuales podemos elaborar y pulir nuestra visión. Estoy seguro que el momento más crítico de la fotografía es el momento del click pero este viene acompañado de tiempo anterior y tiempo posterior y hay muchas cosas que se pueden hacer con el tiempo que tenemos.
Por supuesto que hay un Cartier Bressoncito minúsculo en el hombro derecho de cada fotógrafo que le está diciendo: NO REENCUADRARAS! y la manera como se debe entender su mandato es tener completo acto de presencia a la hora de hacer click. Al igual que Cartier Bressoncitos, deberían haber Oscar Rejlandercitos o Jerry Uelsmanncitos invocando la experimentación en el laboratorio en blanco y negro o Adam Fussecitos en la experimentación a color o John Paul Caponigro en digital.
Mientras más pienso en esta pregunta pienso en un mundo en que la fotografía fuese solamente en blanco y negro 35mm sin reencuadrar. De cuántas cosas hermosas nos perderíamos. Ya mencioné a Oscar Rejlander quien existió mucho antes de que el 35mm existiera y ya estaba experimentando copias finales a partir de distintos negativos. Al insigne Jerry Uelsmann genio del laboratorio Blanco y Negro, sus montajes antecedieron por muchos años al maravilloso Photoshop. Adam Fuss ha plasmado su curiosidad a través de la experimentación con todo tipo de material fotográfico, sus excursiones lo hacen una especie de Alexander von Humboldt del laboratorio. Joel Peter Witkin y sus excentricidades fotográficas. Pensemos en el mundo del color: Sergei Prokudin Gorsky, fotógrafo de la Epoca de los Zares; Ernst Haas, maestro de Magnum; los paisajes de Elliot Porter; el precoz Stephen Shore, William Eggleston y la agilidad en lo aparentemente banal, las exigencias y libertades de Boris Mikhailov. Y el trabajo de Sophie Calle, Cindy Sherman, Andy Goldsworthy, Lucas Samaras,Teun Hocks, Gregory Crewdson, Jeff Wall, David Hilliard, Marcos López, Larry Sultan, Philip Lorca diCorcia, Mike + Doug Starn, Linda Connor, Harry Callahan. Pero también los estrictos y no tan estrictos, paisajistas, retratistas y documentalistas: Ansel Adams, Bernd y Hilla Becker, Nicholas Nixon, Frank Gohlke, Joseph Koudelka, Eugene Richards, Seydou Keita, W. Eugene Smith, Paul Caponigro, Craig Stevens, Arkady Lvov, Weegee, George Tice, Mary Ellen Mark, Josef Sudek, Sally Mann, Robert Adams, Luis Gonzalez Palma, Rineke Dijkstra, Todd Papageorge, Richard Misrach, Brenton Hamilton, Manuel Alvarez Bravo, Nan Goldin, Lee Friedlander, Sarah Moon, Guy Bourdin, Paul Strand, Alfred Stieglitz, Eugene Atget, Seiichi Furuya, Andre Kertesz, Jaques Henry Lartigue, Robert Adams, Albert Ranger-Patzsch, Martín Chambi, Emmet Gowin, Edward Weston, Brassai, Jeff Wall, Wolfgang Tillmans, Hiromix... y por supuesto: Henry Cartier Bresson el autor del momento decisivo.
La cuestión es plural. Y hay mucho que ver y hacer...
5.) Cuánto le dedicas a la postproducción de una imagen?
Cuanto necesite para culminar mi visión. Si la imagen es en platino y paladio puedo dedicarle hasta una semana completa, una copia blanco y negro de fibra puede significar unas buenas 48 horas de trabajo para obtener un resultado decente y presentable a otros ojos. En color es distinto ya que primero escaneo mis imágenes y hago correcciones digitales, que luego comparo con las copias que hacen en el laboratorio. Es un proceso que también puede durar unos cuantos días entre copias de trabajo, pruebas de tamaño y copia final. La postproducción es muy importante, es el proceso final de un largo camino. Y en muchos casos, las más de las veces, sencillamente me tardo mucho en digerir mis imágenes.
6.) Cuál es tu último descubrimiento en fotografía?
Que descontinuaron el Kodachrome; Nadav Kander, a él no lo descontinuaron, simplemente existe. Y Sergei Prokudin Gorsky, bien pudieran ponerle el apellido Gursky y me lo creeria perfectamente.
7.) Para quién trabajarías gratis?
Esta es y debería ser una lista larga, por ende voy a resumir: Nicholas Nixon, Joel Sternfeld y Alec Soth. Con los masters RJ, RM, IG, LP como MD y no dejo por fuera a LA. Para Koudelka le pago yo por trabajar con él. Rineke Dijkstra, Eugene Richards, Sebastião Salgado, Richard Misrach, Susan Meiselas, Martin Parr, Robert and Shana ParkeHarrison, Stephen Shore. Aprendería alemán para comunicarme con: los Beckers (Q.E.P.D. Bern), Gursky, Struth, Ruff y Tillmans. También japonés, para trabajar con Sugimoto y Nobuyoshi Araki. Y no puedo dejar por fuera a Gregory Crewdson ni Larry Sultan (R.I.P) y por último a Charles Freger. Faltan muchos eso si.
En verdad me ha tocado trabajar gratis para distintos familiares y si la necesidad existe siempre lo haría. He tenido el placer de contribuir con mis fotos para algunas fundaciones y esfuerzos de personas particulares en causas que comparto.
8.) Cuándo fue la última vez que imprimiste una imagen?
Hoy. Para mandar a un concurso en la National Portrait Gallery de London. Y estoy preparando un portafolio de 24 imágenes para imprimir grandes: 1.25m x 1.00m
9.) Una publicación o una exposición?
Publicaciones y Exposiciones. Soy joven, por qué no?. Aunque en realidad estoy completamente seducido y obsesionado por el libro, crecí rodeado de ellos y me sigo rodeando de ellos. En parte, la publicación es para mí un signo irrevocable de existencia y permanencia por ende he de aceptar mi deseo por publicar.
También es cierto que la exposición tiene algo que el libro no tiene, y es la apreciación de la copia final. Poder apreciar en vivo y en directo una copia definitiva es uno de los mayores placeres que hay en el mundo de la fotografía: ver la textura del papel, el tamaño de la copia, el contraste, los cambios tonales... eso es practicar la observación cercana y meditativa de la obra. Es la diferencia entre ver un daguerrotipo original a la impresión y copia de un daguerrotipo en un libro de historia de fotografía. El daguerrotipo tiene la particularidad que hay que verlo de frente para ver el positivo, y cuando se ve en ángulo se ve un negativo metalizado. Es mágico! y literalmente único, no se puede reproducir.
Las publicaciones son reproducciones. Una copia de una copia. Y aunque hay maravillosos traductores en el mundo de las publicaciones fotográficas como Richard Benson artesano del duotono, y que también existen libros de impresión exquisita como "Into The Gokstadt" de Thomas Joshua Cooper por nombrar alguno, el hecho estético de la publicación es de diferente índole que aquel de la exposición. Un libro de Carlton Watkins no tiene nada que ver con una copia original de albumen del mismo Carlton Watkins, los montajes de Wolfgang Tillmans en una sala de exposición no tienen el mismo sentido que sus libros, Las gigantografias de Struth o Gursky no se pueden apreciar en una página, una copia de platino y paladio en papel Bienfang 360 de Andrea Modica jamas va a poder ser traducida en una imprenta. De igual manera un libro de Martin Parr no es lo mismo que una exposición de su trabajo.
En definitiva son dos medios distintos, posiblemente complementarios, y ambos dignos de apreciación, respeto, estudio y práctica.
Por cierto, también se puede publicar en la world wide web. En vez del papel, el monitor!
10.) A la generación de relevo qué le dices?
Hmm, si ya me están relevando...por lo visto no soy tan joven...
Trabajo, trabajo y más trabajo. La dedicación lo da todo. Estudien, practiquen, conozcan la historia de la fotografía, vean muchas, muchas fotos. Conozcan su medio de expresión y las distintas posibilidades que existen en él; en la medida de lo posible, prueben analógico y digital. Fórmense una opinión y un criterio propios, de lo que les guste y no les guste a ustedes. Más trabajo, más dedicación, mucha más historia de la fotografía. Hacer click no es necesariamente hacer una buena foto. El click es muy fácil, la buena foto no: una bella foto no es necesariamente una buena foto. Click, click, click… Y crean en su PROPIO OJO.
Por último hagan retratos centrados, corten manos, corten pies (todo tipo de amputación en general) ojos cerrados, fotos sin foco, fotos movidas, bocas abiertas, pateen el tripode, usen el flash de la cámara, incluyan enchufes, interruptores de luz, disparar antes de componer, horizontes centrados, horizontes caídos... por muchos años han sido editados fuera, les llegó la hora!!!
Excelente Ricardo!!!
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